Este artículo apareció por primera vez en la edición de invierno de 2024 de la revista Antiques to Vintage. Escrito por Elizabeth Cheung y editado por Julie Carter.
El comerciante de Sydney Billy Robertson y su directora de redes sociales y socia de investigación, Elizabeth Cheung , continúan con su análisis de la intriga detrás de algunas obras maestras de Meiji.
Tras enfrentarse a las incursiones extranjeras a lo largo del siglo XIX, Japón finalmente inició su propia Revolución Industrial bajo los auspicios del Emperador Meiji, iniciando una era de innovación tecnológica sin precedentes en su historia. Tras el tumulto del período bakufu, el gobierno Meiji anunció iniciativas que incentivaban a los artesanos locales a producir bienes no solo para el consumo interno, sino también para la exportación. Esto generó alivio entre las clases comerciantes y artesanas, cuyas fortunas se habían desplomado junto con la de los samuráis, su hasta entonces mayor clientela.
Para los plateros, esto fue especialmente oportuno. En la época medieval, las minas de Japón habían producido gran parte de la plata mundial; durante el siglo XVII, minas como la de Iwami-Ginzan producían hasta 200 toneladas de plata al año, casi un tercio de la producción mundial. A pesar de la larga historia de Japón en la producción de plata, el alto coste de la extracción del metal implicaba que los artículos de plata eran generalmente usados por los samuráis y superiores. Ahora, con el impulso financiero y gubernamental, los plateros japoneses pudieron experimentar con nuevos estilos que se adaptaban tanto al mercado de exportación como a un Japón modernizado.
Un excelente ejemplo es el kashibakko de la imagen, que lleva la marca Jungin y la del artesano Hattori Kintaro, lo que ejemplifica cómo incluso los detalles más pequeños se convertían en obras de arte en la ceremonia del té (cha-no-yu). También muestra la evolución de los gustos del periodo Meiji y la rápida adaptación de los artesanos.
La ceremonia del té es fundamental en el arte y la cultura japoneses. Los utensilios asociados con este ritual adquirieron un carácter ceremonial, volviéndose cada vez más exquisitos durante el período Meiji. Durante la transición de Edo a Meiji, los dulces japoneses se desarrollaron rápidamente.
Un ejemplo serían los wagashi, delicados postres que realzaban los sabores tradicionales japoneses. La presentación era fundamental, ya fuera para regalarlos o durante la ceremonia del té, lo que implicó que los kashibako (mini recipientes para dulces) también se volvieran cada vez más elaborados.
Hattori Kintaro fue una figura talentosa e influyente durante el periodo Meiji. Nacido en una familia de comerciantes, en 1881 fundó su propia empresa, K Hattori & Co., lo cual no fue poca cosa, sobre todo considerando sus 21 años. Para 1885, ya se había forjado un nombre especializándose en la relojería, comerciando con empresas extranjeras en la zona de asentamiento de Yokohama; posteriormente, fundaría la icónica marca de relojes Seiko. Hattori era un importante minorista de joyería fina y plata antes de la Segunda Guerra Mundial, y piezas antiguas como la caja de dulces que se muestra son raras y codiciadas.
La marca Jungin, que significa «plata pura», se utilizó principalmente durante el período Meiji (1868-1912) para indicar plata con una pureza de 0,950 o superior. Trabajando con plata de tal pureza.
requiere una gran habilidad, tanto que muchos talleres de plata de aquella época estaban dirigidos por antiguos samuráis.
En general, los plateros japoneses que producían artículos para la clase samurái estaban acostumbrados a trabajar con plata de alta pureza debido a la proximidad de las minas de plata en Japón.
Tradicionalmente, el uso de plata estaba restringido a artículos que fueran propios de la clase samurái, como adornos de espadas, ornamentaciones de empuñaduras y pequeños artículos personales que denotaban su rango.
En particular, debido a la baja calidad del mineral de hierro japonés, las técnicas que históricamente se empleaban para producir espadas de calidad, como las katanas de los samuráis, serían empleadas por las generaciones posteriores del período Meiji para producir artículos de plata de una calidad excepcional. Tras transmitir las técnicas de forja de generación en generación, pudieron crear hermosas obras de arte para la exportación a pesar de la dificultad de trabajar con plata de tan alta pureza.
Este auge se vio ligeramente frenado tras la Rebelión de Satsuma. Con los poderosos señores del dominio de Satsuma liderados por Saigo Takamori, su derrota marcó la caída de la clase samurái. Cuando la deuda nacional de Japón aumentó a más del doble, el gobierno Meiji se vio obligado a detener muchas de sus iniciativas artesanales y a ceder empresas no rentables a empresas con conexiones políticas, lo que dio lugar al surgimiento de los conglomerados zaibatsu.
Muchas zonas de Japón se vieron afectadas por samuráis sin señor. Posteriormente, personas con visión de futuro optaron por establecer negocios en las zonas de asentamiento extranjeras relativamente más estables, desde donde podían acceder a los mercados internacionales. Debido a la naturaleza de Yokohama como puerto de tratados, muchas piezas de plata de exportación japonesas se originaron aquí durante el período Meiji, producidas por plateros y empresas de platería con sede en Yokohama, ya que las piezas a menudo se fabricaban para la exportación.
Una rara jarra de crema de plata con motivos de bambú hecha
del platero de Yokohama Konoike, c.1900. 5,5 cm
x 6cm x 11,5cm, 90g, $2000.
Un ejemplo de ello es la jarra de plata para crema con motivos de bambú, realizada por el gran platero de Yokohama Konoike 鴻池 hacia la década de 1900. Bellamente grabados en los laterales se encuentran símbolos tradicionales japoneses como la grulla y la tortuga, que simbolizan la longevidad, así como motivos botánicos para las cuatro estaciones. Se sabe poco sobre la vida de este artesano; sin embargo, casi todas sus obras (incluida esta) llevaban la marca Jungin, que indica una pureza de plata de 0.950. En Londres, sus piezas, en particular los servicios de té y café por los que es conocido, se vendían a través de Liberty & Co. Las obras de Konoike son extremadamente raras, y gran parte de su obra superviviente se encuentra en museos de todo el mundo, como el Victoria & Albert Museum de Londres.
Otro campo artístico que experimentó rápidos cambios fue el de la talla de marfil. Quizás la persona más influyente del periodo Meiji fue Ishikawa Komei (1852-1913), quien jugó un papel decisivo en la creación del Chokoku Kyogikai (Comité Fundacional de Talladores) en 1881, que posteriormente pasó a llamarse Tokyo Chokokai (Asociación de Talladores de Tokio) en 1887.
Al igual que muchas figuras influyentes de la época, Komei acogió con satisfacción el comercio exterior, aunque le preocupaba que este aumento masivo de la demanda pudiera erosionar paulatinamente la cultura y la artesanía tradicionales de Japón. Por ello, fundó la Chokoku Kyogikai junto con otros artistas influyentes, buscando fomentar el sentido de identidad y estética japonesas entre las generaciones más jóvenes, así como compartir y desarrollar abiertamente nuevas técnicas y habilidades de tallado. Los esfuerzos de Komei se vieron recompensados, ya que posteriormente sería nombrado profesor del Departamento de Escultura de la Escuela de Bellas Artes de Tokio en 1891, y recibió el prestigioso nombramiento de Artista de la Casa Imperial (Teishitsu Gigein) en 1890.
Gran e importante okimono de pato de marfil de la Escuela de Tokio de finales del periodo Meiji, obra de Miura Kōfū (Mitsukaze), discípulo y sucesor de Ishikawa Kōmei. Precio: 18.000 dólares australianos.
Su enseñanza ejerció una gran influencia, inspirando a una nueva generación de escultores, incluso cuando la demanda interna de artículos tradicionales de marfil disminuía. En parte debido a los edictos imperiales que promovían la moda occidental, los artículos de vestir (sagemono), como el netsuke y el inro, que tradicionalmente utilizaban marfil, fueron decayendo paulatinamente. Así, la nueva generación de artistas del marfil comenzó a centrarse en el okimono.
Estas piezas de marfil de mayor tamaño se habían utilizado anteriormente principalmente con fines religiosos y ahora se tallaban con fines puramente decorativos, no prácticos. Estas piezas no solo mostraban una excelente artesanía, sino que también ejemplificaban elementos de realismo y detalle escultórico influenciados por la tradición clásica occidental. El resultado fue nada menos que una modernización Meiji de la escultura japonesa y el término «Escuela de Tokio» para designar lo mejor de estos okimonos.
marfil japonés
okimono que representa una
sapo sobre una hoja,
finales del siglo XIX.
Sin firmar, 1,4 cm
x 6,3cm, $1500.
Varias piezas de nuestra colección, como el okimono de un sapo sobre una hoja y el de un hombre sosteniendo una calabaza, muestran los elementos naturalistas de este período, así como las intrincadas técnicas de tallado que hacen que las piezas de marfil de la Escuela de Tokio sean extremadamente deseables.
Okimono de un hombre del período Meiji
ropa tradicional que lleva una
Calabaza de calabaza, con finamente
cabeza articulada y articulaciones: la
La cabeza, los brazos y las piernas fueron tallados
por separado y luego se pone la pieza
juntos. 18,5cm, $4000.
Otro ejemplo de cómo los talladores de marfil se adaptaron a los nuevos tiempos se puede apreciar en este hermoso mostrador de whist de marfil de Shibayama, una pieza rara e inusual. Las piezas de Shibayama son muy coleccionables y esta pieza en particular se produjo con la vista puesta en la exportación , de ahí su interesante estética que fusiona Oriente y Occidente.
Un mostrador de whist de marfil de Shibayama sobre marfil del período Meiji del siglo XIX con motivos de insectos y escarabajos . 5,2 cm x 9,5 cm, $1200.
El Shibayama es una forma de arte que se distingue por sus pequeñas piezas de incrustación, elaboradas con materiales nobles como coral, marfil y piedras semipreciosas, que se asientan en alto relieve sobre la laca, creando un perfil tridimensional. La exquisitez de la incrustación Shibayama la popularizó enormemente en la Inglaterra victoriana, y las fichas de whist eran una forma hermosa y práctica de añadir obras de arte oriental al hogar. El ejemplo ilustrado es bastante inusual por su estilo de incrustación marfil sobre marfil, que le confiere un aspecto casi minimalista. Los marcadores presentan encantadores motivos de insectos y escarabajos, que fusionan el naturalismo del arte japonés con la naturaleza caprichosa de las piezas de juego victorianas. Las fichas de whist Shibayama no solo demuestran el ingenio de los artesanos para adaptarse a la insaciable curiosidad de los mercados extranjeros por las novedades orientales, sino que también muestran cómo los artesanos japoneses podían crear nuevas técnicas y formas de arte al acceder a materias primas que llegaban a través de los puertos de tratados, que hasta entonces eran escasas en Japón.
Pero quizás ninguna forma de arte muestre el cambiante paisaje de Japón con mayor viveza que el ukiyo-e, o xilografía. Entre los siglos XVII y XIX, el género ukiyo-e expresó la visión de los artistas sobre el magnífico y efímero «mundo flotante» del distrito de ocio de Yoshiwara, y posteriormente una visión más amplia de la escena del entretenimiento de Edo, los diversos paisajes naturales de Japón y el cambiante paisaje japonés.
A modo de ejemplo, compare el famoso paisaje de Hiroshige, Luna llena en Takanawa c.1831 (mostrado en el reverso, cortesía del Museo Metropolitano de Arte), con un paisaje producido en la década de 1870 por Kuniteru III Utagawa (1877-96 abajo), también mostrado, cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
El uso dinámico de la perspectiva por parte de Hiroshige y el brillante encuadre de las aves en vuelo crean una perspectiva fresca sobre la tranquila escena de la bahía de Takanawa, mientras que el uso de intensos tonos rojos por parte de Kuniteru añade una sensación de vitalidad a la escena. Para 1872, se había construido un ferrocarril de vapor en Takanawa, y varios artistas de la época plasmaron esta emocionante escena en xilografías. Japón era considerado entonces, a ojos de Occidente, una nación bastante moderna, con Yokohama inmortalizada como una vibrante ciudad portuaria en La vuelta al mundo en 80 días de Julio Verne.
Así, a finales del periodo Meiji, el paisaje japonés en los grabados ukiyo-e representaba trenes de vapor, farolas y galerías. Otro buen ejemplo sería la xilografía ukiyo-e que representa una batalla entre dos samuráis, obra de Toyohara Kunichika, alumno de Utagawa Kunisada y uno de los últimos grandes artistas del ukiyo-e por derecho propio.
Uchiwa-e del período Meiji
impresión en madera
representando una batalla
entre dos samuráis
por Toyohara Kunichika,
un estudiante de Utagawa
Kunisada y uno de
el último gran ukiyo-e
artistas por derecho propio.
43cm x 60cm, $450.
Fue famoso por su bijin-ga y sus audaces representaciones y su uso innovador de tintes extranjeros, lo que indica su innovación en el género ukiyo-e.
Para capturar estas vistas de la ciudad, se necesitaban colores más intensos; en la década de 1860, se introdujeron en Japón tintes como el magenta (anilina) y el carmín (un tinte de cochinilla a base de insectos) , que rápidamente se popularizaron tanto en la ropa como en el arte. Estos tintes se consideraban «kakushin no iro» (革新の色) o «colores del progreso». En particular, el carmín se convirtió rápidamente en el color predilecto de muchos artistas, no solo por su intenso tono rojo, sino también por su facilidad y relativa economía en comparación con el tinte tradicional a base de cártamo, cuya producción era muy laboriosa y costosa.
En manos de artistas expertos como Kunichika, estos tintes se utilizaron con gran eficacia. Sin embargo, en general, la tensión entre lo antiguo y lo nuevo en Japón quedó vívidamente plasmada por sus artistas. El «mundo flotante» del periodo Edo experimentaría grandes cambios durante el periodo Meiji, capturados con minucioso detalle por estos artistas. Años después, tras la convulsa Segunda Guerra Mundial, esto daría lugar al movimiento sosaku-hanga del periodo Showa, del cual Junichirô Sekino fue uno de los últimos grandes maestros modernos.
Discípulo del maestro del período Meiji, Kōshirō Onchi, sus vibrantes xilografías reflejaban un retorno al arte por el arte. Sosaku-hanga, fundada por Onchi, priorizaba el diseño, la impresión y el tallado, con la participación del artista en cada etapa del proceso. La serie Bunraku de Sekino representó con meticuloso detalle el arte del títere tradicional, en lenta desaparición, de la cual «Eizo y Matsu-o-maru Bunraku» se considera una de sus obras maestras.
Grabado en madera ukiyo-e del período Showa de Sekino Jun'ichiro (1914-1988)
c.1950. ' Eizo y Matsu-o-maru – Bunraku.' Considerado uno de sus
obras maestras, produjo ediciones de esta xilografía entre 1948 y
1958, siendo esta edición en particular la número 12 de 50. Cada edición sería
será impreso a mano y publicado por Sekino, y cada pieza será sutilmente diferente.
Medidas enmarcado: 84,5cm x 69cm, $2500.
Creado en el período Showa, este arte podría considerarse una reflexión sobre diversas filosofías que surgieron durante el período Meiji, empleando técnicas expresionistas occidentales en este arte tradicional japonés para expresar el minucioso trabajo que subyace al Bunraku tradicional. Sekino y sus predecesores, como Kuniteru Utagawa, Ishikawa Komei y Toyohara Kunichika, expresaron a través de su arte la belleza de un mundo en constante evolución, equilibrando el encanto de la cultura tradicional con su fascinación por las nuevas tecnologías; una tensión que persiste en la cultura japonesa hasta nuestros días.
Todos los artículos ilustrados son cortesía de Cache Antiques, Sydney, con la excepción de Luna llena en Takanawa y el paisaje de Kuniteru III Utagawa, ambos mostrados por cortesía del Museo Metropolitano de Arte Moderno.
Cache Antiques está en 101 Parramatta Rd, Annandale NSW 2038.
Teléfono: 0424 404 791.
www.cacheantiques.com.au
Referencias: https://www.bonhams.com/press_release/11605/
https://www.viewingjapaneseprints.net/texts/topics_faq/anilinedyes.html
https://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects/51876
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/55513